Những phụ nữ thay đổi nghệ thuật nhiếp ảnh

Năm 1955, Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại đã thực hiện cuộc khảo sát nhiếp ảnh nổi tiếng nhất mọi thời đại, “Gia đình của loài người”. Nó đã tập hợp những người là tài năng của thế kỷ 20 — Henri Cartier-Bresson, Roy DeCarava, Ansel Adams, Edward Weston, Garry Winogrand và August Sander. Tuy nhiên, nhân khẩu học của chương trình vẫn để lại một điều đáng mong đợi: trong số 251 nghệ sĩ được bao gồm, chưa đến 40 người là phụ nữ.

Một buổi trình diễn mới khai mạc hôm nay tại Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan tiếp tục những nỗ lực gần đây nhằm đưa phụ nữ vào lịch sử nhiếp ảnh. Được tổ chức bởi Andrea Nelson và Mia Fineman với Virginia McBride, “Người phụ nữ mới đằng sau máy ảnh” có 120 nữ nhiếp ảnh gia làm việc trong thế kỷ 20. Tập trung của nó không chỉ là các nghệ sĩ phương Tây đã nổi tiếng, chẳng hạn như Dorothea Lange và Claude Cahun, mà còn cả các nghệ sĩ ít được công nhận từ các nơi khác trên thế giới có tác phẩm có ảnh hưởng.

Dưới đây, hãy xem năm nghệ sĩ ít được công nhận có trong chương trình Met, dự kiến ​​sẽ đến Phòng trưng bày Nghệ thuật Quốc gia ở Washington, D.C. sau khi hoạt động ở New York.

Consuelo Kanaga

Khi Consuelo Kanaga qua đời vào năm 1978, tờ New York Times đã gọi bà là “một trong những nữ nhiếp ảnh gia xuất sắc nhất trong thời đại của bà”. Tuy nhiên, đến năm 1993, khi Bảo tàng Brooklyn dành để tưởng nhớ cô ấy, danh tiếng của Kanaga đã phai nhạt đến mức người phụ trách Barbara Head Millstein đã lên trang Times ’Opinions viết rằng“ những hình ảnh siêu việt của bà chưa bao giờ nhận được sự tán thưởng mà họ xứng đáng được nhận ”. Thậm chí ngày nay, Kanaga không nổi tiếng bằng một số nghệ sĩ mà cô coi là bạn bè, trong số đó có Imogen Cunningham, Alfred Stieglitz và Tina Modotti. Điều này một phần là do tính cách của Kanaga — bà không phải là người thích tự quảng cáo — và một phần là do bản chất công việc bà: những bức chân dung về người Mỹ da đen đơn giản hầu như không thể hiện bản thân là những hình ảnh tuyệt vời, đồng cảm.

Kanaga bắt đầu chụp ảnh vào thời điểm mà giá trị nghệ thuật vẫn còn là chủ đề tranh luận. Ở tuổi 21, bà bắt đầu viết cho San Francisco Chronicle, dành thời gian cho bộ phận ảnh của tờ báo, nơi bà học các kỹ thuật phòng tối. Năm 1932, bà đã tham gia một nhóm các nhiếp ảnh gia Vùng Vịnh được gọi là Nhóm f / 64, có các thành viên bao gồm Cunningham, Ansel Adams và Dorothea Lange. Mặc dù không chính thức là một phần của nhóm, Kanaga, giống như các thành viên khác, quan tâm đến thể loại nhiếp ảnh tôn vinh những khoảnh khắc đời thường và những con người hàng ngày — một sự khác biệt rõ ràng so với phong cách thống trị ban ngày, Chủ nghĩa hình ảnh, ưu tiên các bố cục khắt khe hơn các tài liệu đời thường đời sống.

Trong những năm sau đó, Kanaga bắt đầu tạo ra những bức chân dung đặc trưng của bà về những người trông nom da đen – một động thái bất thường vào thời điểm đó đối với một nhiếp ảnh gia da trắng. She Is a Tree of Life to Them (1950), tác phẩm nổi tiếng nhất của bà, có hình ảnh một bà mẹ da đen với hai đứa con dựa vào một bức tường bê tông. (Tác phẩm được giới thiệu trong chương trình MoMA nổi tiếng năm 1954 của Edward Steichen “The Family of Man”). Kanaga đã tìm cách nắm bắt cuộc sống bên trong của đối tượng. Bà từng nói: “Hầu hết mọi người đều cố gắng trở nên nổi bật để bắt mắt. “Tôi nghĩ vấn đề không phải là bắt mắt mà là bắt được thần thái.”

Karimeh Abbud

Đối với những người chưa qua đào tạo, những bức ảnh của Karimeh Abbud có thể không được coi là nghệ thuật — và trên thực tế, chúng thường được tạo ra cho mục đích thương mại trước tiên. Tuy nhiên, với bức chân dung trong studio của mình, nhiếp ảnh gia người Palestine đã vẽ ra con đường mà những người khác đã đi theo trong nhiều thập kỷ kể từ khi bà qua đời vào năm 1940.

Đối với các nhà sử học, tác phẩm của bà vẫn quan trọng vì nó đánh dấu một cột mốc quan trọng: Abbud được cho là nữ nhiếp ảnh gia đầu tiên ở Palestine, và thậm chí có thể là một trong những nữ nhiếp ảnh gia đầu tiên ở Ả Rập. Tuy nhiên, tác phẩm của bà vẫn ít được biết đến, và nó thậm chí còn không trở thành chủ đề của một cuộc triển lãm bảo tàng cho đến năm 2017, khi Darat al Funun, một không gian nghệ thuật ở Ammann, Jordan, tổ chức một cuộc khảo sát dựa trên các tác phẩm từ bộ sưu tập của Ahmad Mrowat, một nhà sưu tập chính tác phẩm của Abbud.

Sinh ra ở Bethlehem vào năm 1893, Abbud trở thành một nhiếp ảnh gia vào những năm 1920, bà hướng ống kính về những phụ nữ và trẻ em xung quanh mình. Sau đó, bà tiếp tục mở các studio ở nhiều địa điểm khác nhau, bao gồm cả Jerusalem và Nazareth, và tạo ra những bức chân dung có hình ảnh những người trông nom cô như họ vốn có. Trong một sự phá vỡ quyết định so với bức chân dung dân tộc học của người châu Âu vốn đã thống trị trong khu vực từ lâu, Abbud đã tạo ra những hình ảnh “về sự bình thường, về những người xuất hiện ở mức tốt nhất của họ, nhưng trong bối cảnh tầng lớp trung lưu,” như học giả Issam Nassar đã viết. Bà chọn không che giấu giới tính của mình và thậm chí còn tự quảng cáo mình là “Nhiếp ảnh gia quý bà”.

Homai Vyarawalla

Homai Vyarawalla, nữ phóng viên ảnh đầu tiên của Ấn Độ, thường có cách tiếp cận thực tế đối với công việc của mình: khi được hỏi tại sao lại theo đuổi nhiếp ảnh, bà sẽ nói, “Đó chỉ là một công việc”. Tuy nhiên, những bức ảnh tuyệt đẹp mà bà chụp về Ấn Độ trong thời kỳ chuyển tiếp vào giữa thế kỷ 20 khiến khó có thể tưởng tượng bà không có ý định thơ mộng hơn.

Với những bức ảnh ấn tượng của mình, Vyarawalla đã chứng kiến ​​sự lãnh đạo của Thủ tướng Jawaharlal Nehru, người mà bà kết bạn sau khi ông nhận thấy bà chụp ảnh, và hoạt động tích cực của Mahatma Gandhi. Bất cứ khi nào có một sự kiện quan trọng diễn ra trong nước, bà có thể được tìm thấy tại hiện trường, thường mặc sari hoặc salwar (bà từ chối mặc trang phục phương Tây như một sự khẳng định về bản sắc dân tộc Ấn Độ của mình). Trong quá trình này, bà được biết đến rộng rãi ở Ấn Độ và được tôn trọng như một trong những người ghi lại vĩ đại của lịch sử đất nước.

Tuy nhiên, khi bắt đầu sự nghiệp, tên tuổi của bà hầu như không được nhiều người biết đến. Điều này một phần là do bà đã đăng ảnh dưới tên của chồng mình, Manekshaw Jamshetji Vyarawalla. Dần dần, bà bắt đầu đòi hỏi sự công nhận cho công việc của mình, và khi nhận được một công việc với Dịch vụ Thông tin Anh vào những năm 40, bà yêu cầu được trả một đồng rupee cho mỗi lần chụp. Trong những năm dẫn đến cái chết của Vyarawalla vào năm 2012, nhà làm phim Sabeena Gadihoke đã giúp hồi sinh sự quan tâm đến công việc của bà.

Ilse Bing

Từng được mệnh danh là “Nữ hoàng Leica”, Ilse Bing là một trong những nhiếp ảnh gia hàng đầu làm việc ở châu Âu trong thời kỳ trước Thế chiến thứ hai. Bà có biệt danh đó từ chiếc máy ảnh Leica nhỏ bé hay mang theo bên mình, chiếc máy ảnh này được bà sử dụng để chụp những bức ảnh sai lệch về thời hiện đại thường nhấn mạnh vào bố cục đường chéo. Qua ống kính của bà, những vũng nước trên đường phố, bóng đổ qua gờ và đám đông băng qua quảng trường trở thành những hình ảnh rõ nét về những thay đổi của xã hội hiện đại và tốc độ phát triển nhanh chóng của nó.

Bing ban đầu dự định trở thành một nhà sử học nghệ thuật và những bức ảnh chụp đầu tiên của bà được thực hiện như một phần trong luận án tiến sĩ của mình trong những năm 20. Sau khi Mart Stam, một kiến ​​trúc sư liên kết với phong trào Neue Sachlichkeit ở Đức, thuê Bing để ghi lại những sáng tạo góc cạnh của mình, bà đã tham gia một nhóm các nghệ sĩ tiên phong ở Frankfurt. Bà chuyển đến Paris vào năm 1930 và trở nên nổi tiếng, nhận được hoa hồng thương mại từ Harper’s Bazaar và nhà thiết kế thời trang Elsa Schiaparelli.

Năm 1940, Bing và chồng, cả hai đều là người Do Thái, bị trục xuất khỏi Paris bị chiếm đóng và bị bắt giam trong 9 tháng. Với sự giúp đỡ của một biên tập viên thời trang tại Harper’s Bazaar, cả hai đều nhận được thị thực và cuối cùng đến New York, nơi Bing vẫn ở lại trong phần lớn sự nghiệp của bà. Công việc của bà đã bị thay đổi cơ bản do chấn thương của Thế chiến thứ hai, và vào những năm 50, bà từ bỏ nhiếp ảnh hoàn toàn. Thay vào đó, sự tập trung của Bing trở thành thơ ca, điều mà bà coi là “những bức ảnh chụp nhanh mà không cần máy ảnh”.

Lola Álvarez Bravo

Lola Álvarez Bravo, một nhiếp ảnh gia theo trường phái hiện đại, là phóng viên ảnh và có nhiều tác phẩm thử nghiệm hơn, Lola Álvarez Bravo từng nói rằng với những bức ảnh đen trắng năng động của mình, bà muốn giới thiệu “cuộc sống mà tôi tìm thấy trước mắt”. Và đó là một cuộc sống. Những hình ảnh về Mexico, nơi bà sinh ra và đặt trụ sở, không chỉ đơn giản là tài liệu mà còn là thứ hơn thế nữa – những hình ảnh thể hiện đầy cảm xúc về con người và những nơi họ sinh sống, tràn ngập những bóng tối ấn tượng và những đường chéo sắc nét cắt ngang hình ảnh của Lola. Đôi khi, họ cũng có một bối cảnh chính trị công khai, chẳng hạn như trong hình ảnh của bà về những người Mexico nghèo và bản địa.

Ở Hoa Kỳ, Álvarez Bravo ít được tôn vinh hơn người chồng một thời của bà là Manuel, người cũng là một nhiếp ảnh gia. (Hai người ly thân vào năm 1934 và ly hôn năm 1949.) Hai người hoạt động trong cùng một vòng kết nối tiên phong, bao gồm Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros và Frida Kahlo (những người đáng nhớ đã xuất hiện trước máy quay của bà nhiều lần). Là trung tâm của bối cảnh nghệ thuật ở Mexico trong nửa đầu thế kỷ 20, tác phẩm của Álvarez Bravo rất nổi tiếng trong số các đồng nghiệp của bà và bà thậm chí còn đóng vai trò là người vẽ tranh cho một số người trong số họ.

Tuy nhiên, phải đến hai thập kỷ qua, các học giả Hoa Kỳ mới bắt đầu xem xét công trình của bà. Sau khi một loạt các bản in chưa từng được biết đến trước đây của bà được phát hiện vào năm 2007, đã có sự chú ý mới đối với các bức ảnh, đặc biệt là những bức ảnh có đường viền trừu tượng. Chẳng hạn, tại một cuộc khảo sát năm 2018–19 tại Tổ chức Nghệ thuật Pulitzer ở St. Louis, người ta tập trung vào các tác phẩm như Sexo Vegetal (Giới tính thực vật, khoảng năm 1948), trong đó có một bức ảnh cận cảnh về một cây maguey để xuất hiện giống như cơ quan sinh dục. Álvarez Bravo đã gọi những tác phẩm phi thương mại như những tác phẩm “mis fotos, mi arte.”